El Hendrix de la acústica

Por Sergio Ariza

Cuando se habla de Bert Jansch siempre se suelen resaltar dos cosas, primera que uno de sus mayores fans, bajo propia admisión, cogió su arreglo de la canción tradicional folk Blackwaterside y la convirtió en un instrumental del primer disco de su banda, unos tal Led Zeppelin, llamado Black Mountain Side que firmó él mismo, un tal Jimmy Page. La segunda es que cuando a Neil Young le preguntaron en 1992 por su guitarrista favorito no dudó en responder "Bert Jansch es el mejor guitarrista acústico; desde luego mi favorito. Como eléctrico diría Jimi Hendrix. (...) Pero Bert Jansch está en el mismo nivel que Jimi". Esas son las dos anécdotas que todo el mundo destaca (yo mismo lo acabo de hacer) pero lo que no deberíamos olvidar es que Jansch es mucho más que un gran guitarrista, siendo también un magnífico compositor. Alguien que ha escrito canciones tan emocionantes como Needle of death o Poison; y que además es tan importante en la carrera de otros como Nick Drake, Donovan, Paul Simon, Johnny Marr o los dos nombrados al principio; es mucho más que un excepcional guitarrista.  

Jansch tuvo una longeva carrera con más de 25 discos a sus espaldas, ya fuera en solitario o con los fundamentales Pentangle, y fue una de las mayores (¿la mayor?) figura de la escena folk británica, siendo el enlace entre las figuras fundadoras como Davey Graham y lo que se dio en conocer como folk rock británico, como Fairport Convention. Pero en el estilo de Jansch cabían muchas más cosas que folk, como blues, jazz, rock o esos floridos pasajes a la guitarra que dieron con el término de folk barroco. Nunca tuvo, ni buscó, la fama de sus muchos admiradores pero la lista de estos es de las más amplias y floridas de las que pueda presumir nadie, antes de morir en 2011 a los clásicos ya nombrados (u otros como Pete Townshend, Richard Thompson o Elton John) se le había unido una nueva generación de artistas como Devendra Banhart, Pete Doherty o Beth Orton.
 

El escocés nació un 3 de noviembre en Glasgow, aunque creció en Edimburgo. Desde pequeño quedó fascinado por la guitarra siendo sus primeros ídolos Elvis Presley y Lonnie Donegan, cuyo popular estilo, el skiffle, incorporaba cosas folk y de jazz tradicional. A los 14 años tuvo su primera guitarra, una Zenith a la que se conocía como la 'guitarra de Lonnie Donegan' y comenzó a visitar los primeros clubs de música folk. Allí conocería a Archie Fisher y Jill Doyle que se convertiría en su primera profesora y le introduciría en el mundo de Pete Seeger, Woody Guthrie y su idolatrado Big Bill Broonzy. Pero el hombre que más impresión causaría en Jansch sería el hermanastro de Doyle, Davey Graham, del que aprendería de primera mano la influyente Angi. Más tarde en su carrera el propio Jansch reconocería "las tres únicas personas a las que he copiado en mi carrera han sido Big Bill Broonzy, Davey Graham y Archie Fisher".
 

Con 15 años, siguiendo la estela de Graham, abandonó su casa y pasó a vivir como un vagabundo errante por toda Europa, e incluso Marruecos, lugar que visitó interesado por su música. En ese momento su técnica ya era tan impresionante que se ganaba la vida no solo tocando sino dando clases de guitarra. A su vuelta al Reino Unido se empapó bien de toda la escena folk británica, con gente como Martin Carthy, Ian Cambell, y especialmente, Anne Briggs que fue la que le enseñó canciones que serían fundamentales en su carrera como Blackwaterside y Reynardine. En 1963 se trasladó a Londres donde estaba surgiendo una potente escena musical folk, centrada en el barrio del Soho, gracias a la repercusión internacional de Bob Dylan. Su fama le llevó a conocer al ingeniero y productor Bill Leader en cuya cocina grabó una cinta con un grabador Revox que se convertiría en su primer disco. Era 1965 y la escena folk británica había encontrado a su rey.
 

Leader vendió la cinta a Transatlantic Records por 100 libras. El disco terminaría vendiendo más de 150.000 copias, impulsado por la versión de Donovan de Do You Hear Me Now?. Claro que no era el único gran momento del mismo, allí se encontraban su increíble versión de Angi, o dos de las mejores canciones que salieron de su pluma, Strolling down the highway, que posteriormente versionaría Nick Drake, y Needle of death, una canción que tendría tal efecto en Neil Young que la utilizaría como base para dos de sus propias canciones The needle and the damage done y Ambulance blues. El canadiense lo calificó como "épico" pero no fue el único que se obsesionó con el mismo, Jimmy Page, en ese momento uno de los músicos de sesión más solicitados del país, afirmaría "estaba a años luz de lo que estaban haciendo los demás. No había nadie en América que se le pudiera acercar".
 

Lo curioso del caso es que Jansch siguió ajeno a fama y modas, el rey de la escena folk británica tocaba solo para los iniciados desde su reino de Les Cousins en el Soho londinense. Seguía actuando como un vagabundo y ni siquiera tenía una guitarra de su propiedad, ese primer disco lo grabó con una Martin 00028 que le prestó Martin Carthy. A su alrededor había toda una pléyade de músicos como Roy Harper, John Renbourn (otro fantástico guitarrista con el que compartía piso en Kilburn) o el estadounidense Paul Simon que cuando volvió a EEUU a finales del 65 se llevó consigo el Angi que le había enseñado Jansch y la renombró Anji cuando la grabó con Simon & Garfunkel. Sobre las mismas fechas apareció su segundo disco, llamado It don't bother me, en el que Harper y Renbourn aparecen como invitados. Sería con el segundo con el que formaría su relación musical más importante. Sus intrincadas conversaciones a la guitarra darían paso a lo que se conoció como folk barroco, Renbourn era un experto en temas medievales y Jansch un apasionado del jazz, con Charles Mingus a la cabeza, y esa mezcla de estilos, con folk y blues, les llevaría a crear algo totalmente personal.




Con la aparición del tercer disco de Jansch, el influyente Jack Orion, en el que se hacían versiones de canciones tradicionales, incluida el Blackwaterside del que se apropiaría Page, su relación se hizo más íntima como se puede ver en la canción que le da título. Jansch y Renbourn comenzaron a tocar como dúo en los garitos del Soho, llegando a grabar un disco juntos en 1966. Al año siguiente, en sus actuaciones en el pub Horseshoe, comenzó a aparecer la vocalista Jacqui McShee, y al poco se les unió la maravillosa sección rítmica compuesta por Danny Thompson al bajo y Terry Cox a la batería, pasando a actuar bajo el nombre de Pentangle.
 

Mientras tanto Jansch seguía con su carrera en solitario, Nicola fue su quinto disco y le vio aproximándose a formas más pop, siendo la maravillosa Woe is love my dear un anticipo de lo que haría Nick Drake unos años después en Bryter Layter. La ausencia de repercusión comercial le llevó a priorizar a Pentangle que sacó su disco de debut en mayo de 1968. Su atractiva mezcla de folk, jazz y blues les convirtió en referentes de la naciente escena folk-rock británica. En el primer disco de Pentangle se puede volver a apreciar la increíble comunicación entre las guitarras de Jansch y Redbourn, con una excelente aportación de Terry Cox a la batería, en Bells, una mezcla perfecta entre folk y jazz. Para ese momento Jansch tocaba con una guitarra construida por John Bailey, un nombre mítico en la escena folk británica. En 1969 sacaron su obra maestra, Basket of light, que incluía su canción más famosa, Light flight, además de otras grandes canciones como Once I had a sweetheart o Train song, un dueto entre Jansch y McShee. Instrumentalmente es también el pico de su carrera, como prueba el excelente solo de Springtime Promises, la John Bailey de Jansch y la Gibson J-50 de Renbourn se entienden a la perfección. Además su paleta se ha ampliado con toques orientales y rock, Renbourn también toca la eléctrica, una Gibson 335, y el sitar, y Jansch añade el banjo. Para culminar el que fácilmente se puede denominar como el mejor año de su carrera, también apareció Birthday Blues, su sexto disco en solitario, en el que aparecen Thompson y Cox, además una de las mejores canciones de su carrera, Poison.




Pero la buena racha comercial de Pentangle llegó a su fin con Cruel sister, que fue un fracaso comercial, aunque no artístico. Pentangle grabó dos discos más pero llegó a su disolución en 1973 con una agria disputa sobre 'royalties' con su compañía. Fue un final agridulce para una gran banda. Jansch, desencantado con el mundo de la música, se fue a vivir a una granja con su mujer y se retiró de los escenarios, aunque siguió grabando por su cuenta como se puede comprobar en el notable L.A. Turnaround de 1974, en el que estrenó su Yamaha FG1500, después de que alguien robara su Bailey. Pero la vida como granjero no duró mucho y en 1977 abandonó a su mujer y volvió a la música, formando el grupo Conundrum. Hubo varias giras y discos más, pero los 80 estuvieron marcados por su fuerte abuso del alcohol.
 

Su resurrección artística llegó en 1995 con When the Circus Comes to Town, donde aparecía la hermosa Morning brings peace of mind. A partir de aquí comenzó a ver como su carrera vivía un resurgimiento. En el año 2000 grabó Crimson Moon, un disco en el que guitarristas más jóvenes como Johnny Marr o Bernard Butler aparecen como invitados, al año siguiente la BBC le dio un premio por toda su carrera y dos años después la Rolling Stone le incluyó en su lista de 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. En 2007 le llegó el turno del reconocimento a Pentangle y la banda al completo volvió a tocar junta. En 2010 Neil Young tuvo la oportunidad de agradecer su enorme influencia llevándoselo para abrir los conciertos de su gira de 2010. Ese mismo año Eric Clapton le invitó a su festival Crossroads. Durante estos últimos años fue fiel a una Yamaha LL11.
 

A pesar de ser diagnosticado con un cáncer de garganta, Jansch decidió salir de gira en 2011 con los reformados Pentangle, dando su último concierto en el mismo Royal Festival Hall en el que habían grabado, 43 años antes, parte del mítico Sweet Child. Pero el Hendrix de la acústica terminó perdiendo su batalla contra el cáncer y falleció un 5 de octubre de 2011. Todavía hoy es imposible evaluar el enorme impacto de su música y su forma de tocar en el mundo de la guitarra acústica, pero nadie con un mínimo de interés por los sonidos más desnudos debería escapar del influjo de su monumental obra.
 

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