Puede que Picasso haya hecho de la guitarra el instrumento más significativo del arte moderno, pero son los guitarristas quienes a menudo han asombrado con su entusiasmo y habilidad en la pintura. De hecho, un número sorprendente de músicos de primera fila han dicho que sienten que su verdadera vocación era el arte.   

El 27 de mayo de 2021, el cofundador de Pink Floyd y leyenda de la guitarra Syd Barrett sacó a subasta su cuadro "Orange Dahlias in a Vase" (Dalias naranjas en un jarrón), que pintó a los 15 años, con una estimación mínima de 3.000 libras; alcanzó 28.270 libras. Unos días antes, para celebrar el 80º cumpleaños de Bob Dylan, la Galería Halcyon de Londres inauguró una muestra de sus cuadros en una exposición titulada Bob Dylan: 60 años de creación. Con motivo de estos acontecimientos, Guitars Exchange se ha unido a la leyenda de Captain Beefheart, Gary Lucas, y a la artista profesional Rebecca Ivatts para hacer un repaso de 10 guitarristas legendarios que están, o estuvieron, encantados de cambiar sus púas por pinceles...    

Syd Barrett 

El cuadro de acuarela y pastel de Barrett mencionado anteriormente fue un regalo a su amigo y profesor de arte Gerald Harden antes de que fuera a estudiar pintura a la Escuela de Arte de Camberwell en 1964, donde demostró ser un artista con talento. Tras dejar Pink Floyd, Barrett regresó a Cambridge en 1975, donde llevó una vida solitaria y volvió a concentrarse en su trabajo artístico. Sin embargo, se conservan pocos cuadros de esa época, ya que solía prender fuego a sus lienzos poco después de terminar de trabajar en ellos.   

El bajista y compositor de Floyd, Roger Waters, recuerda en una entrevista que conoció a Syd en una clase de arte los sábados por la mañana a la que ambos asistían en el Hometon College de Cambridge cuando Roger tenía unos nueve años y Syd ocho. "Antes de que Syd se comprara su guitarra eléctrica roja Futurama III...", dice, "hacíamos cocodrilos de cerámica y pintábamos".   

Increíblemente Barrett consideraba su música como un hobby en su vida. Su hermana cuenta que "siempre que le preguntaban a qué se dedicaba decía 'soy un artista'; nunca 'un músico'. Cuando dejó Pink Floyd dejó de pintar durante un tiempo y fue una mala época; cuando lo retomó en los años 80 y 90 fue mucho más feliz", dice.   

La artista Rebecca Ivatts observa que "su producción artística es amplia y muy ecléctica, no destaca ningún estilo. Su obra abarca desde una acuarela de una casa con entramado de madera y una tortuga hasta un "garabato" más psicodélico de lo que parecen ser arácnidos negros y un intrigante lienzo abstracto oscuro en el que formas amorfas azules acogen vacíos oscuros..."   

   

Chrissie Hynde 

Al igual que Barrett, Hynde siempre consideró que su vocación era pintar. "Siempre pensé que me dedicaría a la pintura, pero me desvió el camino el rock n roll", dice. La cofundadora estadounidense de The Pretenders se trasladó a Londres en 1973 y, gracias a su formación artística, pudo encontrar empleo en un estudio de arquitectura. Su interés por el diseño la llevó a trabajar en la tienda de ropa punk SEX de Malcolm McLaren y Vivienne Westwood, y así conoció a Johhny Rotten y Syd Vicious, de Sex Pistols.    

En octubre de 2018, Hynde publicó un libro de edición limitada con sus obras de arte, titulado Adding The Blue, nombre tomado de la penúltima canción de su álbum en solitario de 2014, Stockholm. Muchas de las obras del libro pueden verse en su sitio web de arte https://chrissiehynde.art/, que contiene decenas de retratos, naturalezas muertas y obras abstractas.    

"Sus atrevidas obras parecen dividirse en dos categorías", explica Ivatts, "formas geométricas abstractas llenas de color y figuras y rostros humanos, con una figura sentada claramente influenciada por el cubismo de Picasso". Ivatts cree que su obra está llena de potencial.   

    

Captain Beefheart 

Combinando elementos del free jazz, el blues y el rock, Don Van Vliet, alias Captain Beefheart, produjo lo que suele ser considerado por los críticos y los aficionados como uno de los pocos conjuntos de obras verdaderamente originales del rock.   

Beefheart se retiró de la industria musical después del álbum Ice Cream For Crow de 1982 para concentrarse en su principal amor: la pintura. Su talento artístico le llevó a realizar una serie de exposiciones en Nueva York, Londres y Sicilia, y su asombrosa producción está documentada con cariño en un sitio web gestionado por fans: http://www.beefheart.com/art/paintings/.   

Como es lógico, dada su música, "Beefheart se sitúa al margen del arte porque no lo hace como los demás", dice Ihor Holubizky, conservador jefe del Museo de Arte McMaster. "Don ha llegado a un punto en el que, como pintor, tiene su propio lenguaje", añade Gordon Veneklasen, director de la Galería Michael Werner de Nueva York. "Su obra no se parece realmente a la de nadie más que a la suya... se ha convertido en un pintor realmente increíble".   

Para muchos fue un shock que Van Vliet dejara Captain Beefheart para convertirse en pintor, pero su amigo y compañero de banda, Gary Lucas, le apoyó en su decisión. "Siempre me alegró verle expresarse creativamente", dice. “Me sentí incómodo al ser puesto en el papel de "marchante de arte" después de que decidiera dejar la música -su "intermediario" para ayudar a vender su arte- porque no era un papel en el que me sintiera cómodo. Le organizaba las entradas a las galerías, pero al final lo dejé", dice. ¿Qué pasó? "Había pasado una semana agotadora con Don en la Costa Oeste tratando de catalogar todas las pinturas y dibujos que tenía en el ático, pero durante esa semana Don estaba, digamos, 'difícil de tener cerca', y pensé 'no quiero hacer esto, soy músico'. Así que cuando volví a Nueva York le dije 'esto es todo por mi parte' y me contestó '¡estoy destrozado! Todo mi universo se está desmoronando'. Estaba bastante cabreado, pensaba que su arte iba más allá de su música, pero para mí estaba más allá de la resistencia humana".   

"Dicho esto, me gustaba su arte, tengo varias piezas en mi pared, que me dio en lugar de pago. Pero la recompensa que obtuve fue psíquica, no económica", dice Lucas.  

  

Patti Smith  

El álbum Horses, de 1975, de Patti Smith la consagró como cantautora de vanguardia. La "poetisa laureada del punk" tiene una agenda repleta de conciertos que se extiende hasta bien entrado el año 2022, pero el arte visual ha sido durante mucho tiempo el amor de su vida. "Me quedé completamente prendada", recordó una vez sobre su primera visita a una galería de arte. "Me enamoré totalmente de Picasso y soñaba con ser pintora".   

Smith es prolífica, y su producción abarca el dibujo, la fotografía y la instalación. Ha expuesto en el Museo Andy Warhol, la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, la Art Gallery of Ontario, el MoMA y el Centro Pompidou, entre otros. Smith expuso 300 de sus cuadros en 2002, en una retrospectiva titulada "Strange Messenger: The Work of Patti Smith'. "Lo hago todo con la misma convicción", dijo en una entrevista, "tanto si hago fotografías como si actúo o pinto o escribo, soy la misma persona".   

    

Bob Dylan 

Dylan trabaja principalmente con acuarela y su paleta de colores es vibrante. Algunos han utilizado la palabra "chillón", pero a mí me encantan los hermosos cielos azules y los exuberantes amarillos y naranjas de sus atardeceres.   

Una gran parte de su producción se reunió para su exposición de 2007 en el Museo Kunstsammlungen de Chemnitz (Alemania), y más recientemente, su serie de Brasil, centrada en el entorno cultural y natural del país, se expuso en el Statens Museum for Kunst de Copenhague. Sus últimos cuadros se exponen actualmente en New Bond Street, Londres, y está prevista otra retrospectiva para finales de este año en Miami, que se centrará en sus observaciones sobre América. Sin embargo, al igual que su música, el arte de Dylan cambia y evoluciona constantemente.   

Ivatts prefiere su música a sus pinturas: "Los alegres y coloridos paisajes americanos, respaldados por un dibujo decente, transmiten ciertamente un sentido de identidad americana, pero carecen de la profundidad y la poesía de sus letras..."     

     

David Bowie  

En contraste con la obra de Dylan, Bowie parecía pintar a menudo con colores mucho más oscuros y algunos de sus retratos podrían describirse como ominosos, incluso inquietantes. Bowie fue pintor toda su vida, pero el público no se dio cuenta de ese aspecto de su personalidad hasta 1994. Como explicó más tarde en una entrevista con el New York Times: "Combino sonidos que son un poco inusuales, y entonces no estoy seguro de dónde debería caer el texto en la música", dijo, "o no estoy seguro de lo que el sonido me evoca... así que voy y trato de dibujar o pintar el sonido de la música. Y a menudo se produce un paisaje por sí mismo".    

Ivatts describe su obra como "Atrevida, muy original, rebosante de personalidad, como cabría esperar de una leyenda como ésta. Algunos cuadros recuerdan al atrevido estilo de los grafitis de Jean-Paul Basquiat... y hay algunos autorretratos muy llamativos... especialmente el de la piel azul pálido y esos increíbles ojos hipnotizadores, ¡desmayados!".    

    

John Lennon 

Como muchos otros, el cofundador de los Beatles, John Lennon, fue artista antes de convertirse en músico. Graduado en el Liverpool College of Art, siguió pintando y dibujando durante toda su vida.   

La primera exposición de Lennon fue en la London Art Gallery en 1970, lo que casi -increíblemente- llevó a Scotland Yard a intervenir para clausurar la muestra debido a las imágenes eróticas de algunas de sus obras. Sin embargo, esto no afectó a su producción ni a sus exposiciones, ya que siguió realizando docenas más en lugares tan lejanos como Australia, el sudeste asiático y Sudáfrica. El sitio web 'art of john lennon' https://artofjohnlennon.com/ explica que "desde 1986 Yoko Ono ha seleccionado dibujos y manuscritos de canciones de su extensa colección privada de obras originales de John Lennon para publicarlos como impresiones artísticas".   



Kim Gordon 

La bajista de Sonic Youth siempre se ha considerado a sí misma más bien una artista visual que casualmente está en una banda. Gordon se trasladó originalmente a Nueva York para ser artista y ha estado exponiendo su obra desde entonces. Gordon es licenciada en Bellas Artes por el Otis College of Art and Design, y su obra ha sido descrita como "pinturas irreverentes basadas en textos, lienzos pintados con spray con tintes de corbata, obras de vídeo, serigrafías y faldas vaqueras reutilizadas, todo ello reunido en una práctica que es a la vez personal y culturalmente consciente".  

Nuestra experta en arte también la valora muy positivamente: "Gordon es una artista vanguardista y genial que mantiene un diálogo feminista en su trabajo. Sus rítmicos dibujos de líneas de la forma femenina en visceral pintura carmesí profunda tienen una calidad cruda y expresiva que recuerda a la obra de Tracey Emin".   

     

Joni Mitchell 

Aunque se la considera una de las mejores cantautoras y guitarristas de la historia, al igual que otros guitarristas de esta lista, Mitchell afirma que: "Siempre me he considerado una pintora descarrilada por las circunstancias".   

Mitchell diseñó casi todas las portadas de sus 19 discos de estudio y se pueden encontrar cientos de sus cuadros en su sitio web https://jonimitchell.com/paintings/. "Ese famoso autorretrato con el cigarrillo, el humo subiendo en espiral...", dice Ivatts, "¡la chica tenía talento! Probablemente podría haber sido cualquier tipo de pintora o artista visual que quisiera. Quizá la obra fluida, semiabstracta, más interesante y expresiva sea la de los años 60 y 70; después parece volverse más convencional y representativa..."    

    

John Squire 

El guitarrista y compositor de The Stone Roses es famoso por haber pintado la portada del legendario álbum debut de la banda.   

"Tranquilo y serio, John parece ser un artista por derecho propio, independientemente de su música, aunque su pedigrí sin duda le valió el apoyo y las exposiciones de Damien Hirst", dice Ivatts. "Parte de su arte podría ser generado por una herramienta de collage de Snapchat en la que crea collages (a menudo de celebridades) para transferirlos a un lienzo a gran escala....

Así que definitivamente es un guiño al zeitgeist, no los garabatos de un cuaderno de bocetos de un muso..."   

Termino diciendo que los cuadros de Bob Dylan son los que más me impactan de todos. Ivatts, en cambio, se decanta por la obra de David Bowie y Joni Mitchell. En cuanto a Gary Lucas, dice: "Soy un tipo de Don, un tipo leal, hasta la médula. Algunas de sus obras llevan el espíritu de sus canciones y el hecho de que utilizara títulos de sus cuadros como títulos de sus canciones me parece intrigante. Hay una, por ejemplo, que se llama Evening Bell; al mirarla, no pude ver la correlación, pero me alegro de que lo hiciera, me alegro de que exista".      

      

Gracias a la página web de Gary Lucas http://garylucas.com/biog.shtml, cuyo nuevo disco The Essential Gary Lucas salió a la venta el 29 de enero de 2021; ¡atentos a la reseña del disco y a la entrevista exclusiva de Guitars Exchange con él a finales de este mes! 

Gracias también a Rebecca Ivatts, cuyas obras de arte pueden verse en su galería online: https://www.rebeccaivatts.com/