Picasso può aver fatto della chitarra lo strumento più significativo dell'arte moderna, ma sono i chitarristi che hanno spesso stupito con il loro entusiasmo e la loro abilità nella pittura. Infatti un numero sorprendente di musicisti di alto livello ha detto di sentire che la loro vera vocazione era nella pittura.    

Il 27 maggio 2021 il quadro di Syd Barrett, cofondatore dei Pink Floyd e leggenda della chitarra, "Dalie arancioni in un vaso", che dipinse a 15 anni, è andato all'asta con un prezzo minimo di 3.000 sterline; ha raggiunto 28.270 sterline. Pochi giorni prima, per celebrare l'80° compleanno di Bob Dylan, la Halcyon Gallery di Londra ha aperto un'esposizione dei suoi dipinti in una mostra intitolata Bob Dylan: 60 Years of Creating. Per celebrare questi eventi Guitars Exchange ha collaborato con la leggenda di Captain Beefheart, Gary Lucas, e l'artista professionista Rebecca Ivatts per recensire 10 chitarristi leggendari che sono o sono stati felici di scambiare i loro plettri per pennelli.    

Syd Barrett L'acquerello e il pastello di Barrett menzionati sopra furono un regalo al suo amico e insegnante d'arte Gerald Harden prima di andare a studiare pittura alla Camberwell Art School nel 1964, dove dimostrò di essere un artista di talento. Dopo aver lasciato i Pink Floyd, Barrett tornò a Cambridge nel 1975, dove visse una vita solitaria e tornò a concentrarsi sulle sue opere d'arte. Pochi dei dipinti di quel periodo sopravvivono, perché aveva l'abitudine di dare fuoco alle sue tele poco dopo aver finito di lavorarci.    

Il bassista e compositore dei Floyd Roger Waters ricorda in un'intervista di aver incontrato Syd per la prima volta a una lezione d'arte che frequentavano entrambi il sabato mattina all'Hometon College di Cambridge quando Roger aveva circa nove anni e Syd otto. "Prima che Syd comprasse la sua chitarra elettrica rossa Futurama III", dice, "facevamo coccodrilli di ceramica e dipingevamo".    

Incredibilmente Barrett considerava la sua musica un hobby nella sua vita. Sua sorella dice che "ogni volta che gli si chiedeva cosa facesse diceva 'sono un artista'; mai 'un musicista'. Quando lasciò i Pink Floyd smise di dipingere per un po' e quello fu un brutto periodo; quando riprese negli anni '80 e '90 era molto più felice", dice.    

L'artista Rebecca Ivatts osserva che "la sua produzione artistica è vasta e molto eclettica - non c'è uno stile che spicca. Il suo lavoro spazia da un acquerello di una casa di legno e una tartaruga a uno 'scarabocchio' più psichedelico di quelli che sembrano aracnidi neri e un'intrigante tela astratta scura in cui forme amorfe blu sono ospiti di vuoti scuri..."   

   

Chrissie Hynde   

Come Barrett, la Hynde ha sempre pensato che la sua vocazione fosse dipingere. "Ho sempre pensato che mi sarei dedicata alla pittura, ma sono stata ostacolata dal rock n roll", dice. La cofondatrice americana dei The Pretenders si trasferì a Londra nel 1973 e grazie al suo background artistico riuscì a trovare lavoro in uno studio di architettura. Il suo interesse per il design la portò a lavorare nel negozio di abbigliamento punk SEX di Malcolm McLaren e Vivienne Westwood, ed è così che incontrò Johhny Rotten e Syd Vicious dei Sex Pistols.    

Nell'ottobre 2018, Hynde ha pubblicato un libro in edizione limitata delle sue opere d'arte, intitolato Adding The Blue, il nome è tratto dalla penultima canzone del suo album solista del 2014, Stockholm. Molte delle opere del libro possono essere viste sul suo sito d'arte https://chrissiehynde.art/ che contengono decine di ritratti, nature morte e opere astratte.    

"Le sue opere audaci sembrano rientrare in due categorie", spiega Ivatts, "forme geometriche astratte colorate e figure/facce umane, con una figura seduta chiaramente influenzata dal cubismo di Picasso". Ivatts crede che il suo lavoro sia pieno di potenziale.   

   

Captain Beefheart 

Combinando elementi di free jazz, blues e rock, Don Van Vliet, alias Captain Beefheart, produsse quello che è comunemente considerato da critici e fan come uno dei pochi lavori veramente originali del rock.    

Beefheart si ritirò dall'industria musicale dopo l'album Ice Cream For Crow del 1982 per concentrarsi sul suo amore primario: la pittura. Il suo talento artistico ha portato a una serie di mostre a New York, Londra e in Sicilia e la sua sbalorditiva produzione è amorevolmente documentata su un sito gestito dai fan http://www.beefheart.com/art/paintings/    

Non sorprende che, data la sua musica, "Beefheart sia ai margini dell'arte perché non lo fa come gli altri", dice Ihor Holubizky, curatore senior al McMaster Museum of Art. "Don è davvero arrivato al punto in cui, come pittore, ha un proprio linguaggio", aggiunge Gordon Veneklasen, direttore della Michael Werner Gallery di New York. "Il suo lavoro non assomiglia davvero a quello di nessun altro se non al suo... è diventato un pittore davvero incredibile".     

Fu uno shock per molti quando Van Vliet lasciò Captain Beefheart per diventare un pittore, ma il suo amico e compagno di band, Gary Lucas, fu un sostenitore della sua decisione. "Ero sempre felice di vederlo esprimersi creativamente", dice. "Mi sentivo in imbarazzo per essere stato messo nel ruolo di suo 'protettore artistico' dopo che aveva deciso di lasciare la musica - il suo intermediario per aiutare a promuovere la sua arte - perché non era un ruolo in cui mi sentivo a mio agio. Ho organizzato gli ingressi alle gallerie per lui, ma alla fine ho smesso", dice. Che cosa è successo? "Avevo trascorso una settimana estenuante con Don sulla West Coast cercando di catalogare tutti i dipinti e i disegni che aveva in soffitta, ma durante quella settimana era, diciamo, 'difficile stargli intorno', e ho pensato 'Non voglio fare questo, sono un musicista'. Così quando sono tornato a New York gli ho detto 'questo è tutto da parte mia' e lui ha risposto 'sono distrutto! Tutto il mio universo si sta sgretolando! Era piuttosto incazzato, pensava che la sua arte andasse ben oltre la sua musica, ma per me era oltre la sopportazione umana".     

"Detto questo, mi piaceva la sua arte, ho diversi pezzi appesi al muro, che mi ha dato in cambio di un pagamento. Ma la ricompensa che ne ho ricavato è stata psichica, non finanziaria", dice Lucas.   

  

Patti Smith 

L'album Horses del 1975 di Patti Smith la consacrò come cantautrice all'avanguardia della musica. La "poetessa laureata del punk" ha un'agenda piena di concerti che si estende fino al 2022, ma l'arte visiva è stata a lungo l'amore della sua vita. "Ero completamente innamorata", ha ricordato una volta la sua prima visita a una galleria d'arte. "Mi sono completamente innamorata di Picasso e ho sognato di essere una pittrice".    

Patti Smith è prolifica e la sua produzione va dal disegno, alla fotografia e alle installazioni d'arte e ha avuto mostre all'Andy Warhol Museum, alla Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, all'Art Gallery of Ontario, al MoMA e al Centre Pompidou, tra gli altri. Smith ha esposto 300 dei suoi dipinti nel 2002, in una retrospettiva intitolata 'Strange Messenger: The Work of Patti Smith'. "Faccio tutto con la stessa convinzione", ha detto in un'intervista, "sia che stia scattando fotografie o suonando o dipingendo o scrivendo, sono la stessa persona".    

    

Bob Dylan 

Dylan lavora in gran parte ad acquerello e la sua tavolozza di colori è vivace. Alcuni hanno usato la parola 'sgargiante', ma io amo i bei cieli blu e i gialli e gli arancioni lussureggianti dei suoi tramonti.    

Gran parte della sua produzione è stata raccolta per la sua mostra del 2007 al Kunstsammlungen Museum, a Chemnitz, in Germania, e più recentemente, la sua Brazil Series, che si è concentrata sull'ambiente culturale e naturale del paese è stata esposta allo Statens Museum for Kunst di Copenhagen. I suoi ultimi dipinti sono attualmente in mostra a New Bond Street, Londra, e c'è un'altra retrospettiva prevista per la fine di quest'anno a Miami, che si concentrerà sulle sue osservazioni sull'America. Come la sua musica, tuttavia, l'arte di Dylan è in costante cambiamento ed evoluzione.   

Ivatts preferisce la sua musica ai suoi dipinti: "Paesaggi americani pittoreschi e colorati sostenuti da un disegno decente - certamente trasmettono un senso di identità americana - ma mancano della profondità e della poesia dei suoi testi..."     

    

David Bowie   

In contrasto con il lavoro di Dylan, Bowie sembra spesso dipingere con colori molto più scuri e alcuni dei suoi ritratti potrebbero essere descritti come minacciosi, persino inquietanti. Bowie è stato un pittore durante tutta la sua vita, ma il pubblico è venuto a conoscenza di questo aspetto della sua personalità solo nel 1994. Come spiegò più tardi in un'intervista al New York Times: "Combino dei suoni che sono un po' insoliti, e poi non sono sicuro di dove il testo dovrebbe andare a finire nella musica", disse, "o non sono sicuro di quello che il suono evoca per me... così poi vado e provo a disegnare o dipingere il suono della musica. E spesso un paesaggio si manifesterà da solo".    

Ivatts descrive il suo lavoro come "Audace, molto originale - pieno di personalità - come ci si aspetta da una tale leggenda. Alcuni dipinti ricordano lo stile audace dei graffiti di Jean-Paul Basquiat... e ci sono alcuni autoritratti molto interessanti... specialmente quello con la pelle blu chiaro e quegli incredibili occhi ipnotizzanti, da svenire!"    

   

John Lennon 

Come molti altri, il cofondatore dei Beatles John Lennon era un artista prima di diventare un musicista. Laureato al Liverpool College of Art, ha continuato a dipingere e disegnare per tutta la vita.    

La prima mostra di Lennon fu alla London Art Gallery nel 1970, che quasi -incredibilmente- portò Scotland Yard ad intervenire per chiudere la mostra a causa delle immagini erotiche di alcuni dei suoi lavori. Questo non ha influito sulla sua produzione o sulle sue mostre, poiché ha continuato a tenerne dozzine di esposizioni in luoghi lontani come l'Australia, il Sud-Est asiatico e il Sudafrica. Il sito web 'art of john lennon' spiega che "dal 1986 Yoko Ono ha selezionato disegni e manoscritti di canzoni scritti a mano dalla sua vasta collezione privata di opere originali di John Lennon per la pubblicazione come stampe d'arte".    

  

Kim Gordon 

La bassista dei Sonic Youth si è sempre considerata più un'artista visiva che per caso ha fatto parte di una band. La Gordon si è originariamente trasferita a New York per fare l'artista e da allora ha sempre esposto i suoi lavori. La Gordon ha un diploma dell'Otis College of Art and Design, e le sue opere sono state descritte come "irriverenti dipinti basati su testi, tele dipinte con lo spray in stile tie-dye, opere video, serigrafie e gonne jeans riutilizzate che si uniscono in una pratica che è sia personale che culturalmente consapevole".   

È anche molto apprezzata dalla nostra esperta d'arte: "Gordon è un'artista tagliente e cool che ha un dialogo femminista nel lavoro. I suoi ritmici disegni a linee della forma femminile in una viscerale pittura cremisi profonda hanno una qualità cruda ed espressiva che ricorda il lavoro di Tracey Emin".    

    

Joni Mitchell 

Anche se è considerata una delle più grandi cantautrici e chitarriste di sempre, come un certo numero di altri chitarristi in questa lista Mitchell dice che: "Ho sempre pensato a me stessa come a una pittrice deragliata dalle circostanze".    

Mitchell ha disegnato quasi tutte le copertine dei suoi 19 album in studio e centinaia di suoi dipinti possono essere trovati sul suo sito web https://jonimitchell.com/paintings/ "Quel famoso autoritratto con la sigaretta, il fumo che sale a spirale verso l'alto..." dice Ivatts, "la ragazza aveva talento! Probabilmente avrebbe potuto essere qualsiasi tipo di pittore o artista visivo che voleva. Forse il lavoro fluido semi-astratto più interessante ed espressivo è degli anni 60 e 70 - dopo di che sembra diventare più convenzionale e rappresentativo..."    

    

John Squire 

Il chitarrista e compositore degli Stone Roses ha notoriamente dipinto la copertina in stile splatter dell'omonimo e leggendario album di debutto della band.     

"Tranquillo e serio, John sembra essere un artista a sé stante, indipendentemente dalla sua musica, anche se il suo pedigree gli ha senza dubbio procurato supporto e mostre da Damien Hirst", dice Ivatts. "Parte della sua arte potrebbe essere generata da uno strumento di collage di Snapchat con il quale crea collage (spesso di celebrità) da trasferire su una tela in larga scala.... Quindi sicuramente è un riferimento allo zeitgeist, non gli scarabocchi di un musicista..."    

Chiudo dicendo che trovo i dipinti di Bob Dylan i più impattanti di tutti. Ivatts, invece, predilige il lavoro di David Bowie e Joni Mitchell. Per quanto riguarda Gary Lucas dice: "Sono un tipo da Don, un tipo leale, in tutto e per tutto. Alcune delle sue opere portano lo spirito delle sue canzoni e trovo intrigante il fatto che abbia usato i titoli dei suoi quadri come titoli delle sue canzoni. Ce n'è una per esempio chiamata Evening Bell - guardandola non riuscivo a vedere la correlazione, ma sono contento che l'abbia fatto, sono contento che esista!"    

    

Grazie a Gary Lucas' http://garylucas.com/biog.shtml il cui nuovo album The Essential Gary Lucas è uscito il 29 gennaio 2021; occhio alla recensione dell'album di Guitars Exchange e all'intervista esclusiva con lui a fine mese! 

Grazie anche a Rebecca Ivatts, il cui lavoro artistico può essere visto nella sua galleria online: https://www.rebeccaivatts.com/