B.B. King è il più famoso bluesman elettrico di tutti i tempi. E giustamente, perché Riley 'Blues Boy' King è il più grande chitarrista blues di tutti i tempi e uno dei suoi cantanti più eccezionali. Inoltre, nessuno nel genere ha avuto una carriera lunga e costante come la sua, fin dagli esordi a Memphis negli anni '40, gli influenti singoli degli anni '50, dove ha combinato la chitarra solista con la voce come nessun altro prima di lui, l'incorporazione di fiati e archi negli anni '60, gli incredibili live show degli anni '70, o la sua capacità di rappresentare il blues, di cui è stato monarca assoluto dalla morte di Muddy Waters, per il resto della sua carriera. B.B. King non ha suonato un accordo in tutta la sua vita, ma la sua capacità di esprimersi attraverso la sua amata Lucille (delle sue varie Lucille, piuttosto) è unica, e ha inventato un nuovo linguaggio musicale di cui hanno beneficiato tutti i chitarristi dopo di lui, dal blues al rock, come gli altri due 're', Albert o Freddie King, Buddy Guy, Peter Green o Eric Clapton. 



3 O'Clock Blues (1951) 

Le registrazioni di B.B. King con Sam Phillips, prima di creare la Sun Records, possono sembrare migliori di questa 3 O'Clock Blues, ma c'è una ragione enorme per cui questa canzone è diventata il primo numero uno nelle classifiche R&B dell'artista e una perenne nel suo repertorio live durante tutta la sua carriera. E questo perché è la prima volta che Lucille e la sua voce hanno iniziato a dialogare in modo così fluido come per il resto della sua carriera. Vedere come questi due elementi, chiaramente posti in primo piano nel mix, interagiscono è uno dei più grandi piaceri per ogni amante, non solo del blues, ma della musica. A proposito, Lucille in questo periodo era una Gibson ES-125 e non era nemmeno la prima Lucille, quella che salvò da un incendio, quella prima chitarra era una Gibson L-30. 

 

You Upset Me (1954) 

Siamo saltati al 1954 per ritrovarci al quarto posto nelle classifiche R&B per King, dopo 3 O'Clock Blues nel 1951, You Know I Love You nel 1952 e Please Love Me nel 1953. You Upset Me Baby inizia con forza, con un meraviglioso arrangiamento seguito dalla sua chitarra, dimostrando ancora una volta la sua padronanza del vibrato e del bending, sostenuta da un'ampia sezione fiati e poi entra la sua voce potente e maschile, in grande contrasto con il suo modo molto più sensuale e femminile di suonare la chitarra. È come lo yin e lo yang, che si completano perfettamente a vicenda. La canzone compare sia nella notevole compilation dei loro primi album, Singin' the Blues, pubblicata nel 1956, sia nel fondamentale Live At The Regal. 

 

Every Day I Have the Blues (1954) 

Un altro dei suoi più grandi successi degli anni '50 e la canzone che finirà per diventare il suo marchio personale, quella che sarà la presentazione dei suoi concerti per innumerevoli anni, presente come prima canzone nei suoi due più importanti album live, Live At The Regal e Live In Cook County Jail. King ha amato l'arrangiamento che Maxwell Davis scrisse per lui e ha sempre tirato fuori alcune dei suoi fraseggi più veloci e agili durante la sua performance.

 

Sweet Little Angel (1956) 

Volete sapere come suona una chitarra quando piange? Ascoltate Lucille svuotare la sua anima ogni volta che B.B. King inizia a suonare Sweet Little Angel, un altro grande successo nelle classifiche R&B dove i bending di King suonano come un lap steel. E poi ascoltare B.B. cantare rispondendo a Lucille con quei falsetti sovrumani e si capisce la grandezza di quest'uomo, la versione originale è abbastanza buona ma il Live At The Regal è quella finale. 

 

Sweet Sixteen (1960) 

Una canzone con un sentimento molto simile a Sweet Little Angel, Lucille prende la parola per prima, entusiasmando tutti con uno dei toni più dolci della storia. Poi arriva la voce di King e ad ogni interruzione vocale risponde con una replica concisa di Lucille. Ancora una volta la canzone, uscita in due parti nel 1960, trova il suo momento migliore dal vivo. Mi piace particolarmente quello registrato nel 1967 nelle stesse sessioni del grande live Blues Is King ma pubblicato come singolo a parte. L'inizio di questa versione ha uno dei migliori assoli della storia di B.B. King, che è pura sottigliezza e classe concentrata per introdurre una delle sue ballate più ricordate. Ascoltate e vedrete l'enorme impronta di King su Peter Green, uno dei pochi chitarristi britannici che seppe avvicinarsi al feeling unico che riesce a tirar fuori dalle corde delle sue chitarre King. 

 

How Blue Can You Get (1964) 

Il 1964 è uno degli anni più importanti della carriera di B.B. King, fu l'anno in cui registrò, a novembre, l'album più famoso e importante della sua carriera, Live At The Regal, uno dei più importanti album live della storia, ma quell'anno registrò anche canzoni come Rock Me Baby, Help The Poor o questa How Blue Can You Get, una canzone che Johnny Moore registrò per la prima volta nel 1949, ma che trovò la sua versione definitiva nella voce di Riley King, soprattutto quando tutto si fermò e quella voce cominciò a cantare "I gave you a brand new Ford, you said 'I want a Cadillac', I bought you a ten dollar dinner, you said 'Thanks for the snack', I let you live in my penthouse, you said it was just a shack, I gave you seven children, and now you want to give them back". Non mancò quasi in nessuno dei suoi concerti da quando fu incisa, incluso il già citato Live At The Regal o l'essenziale Live in Cook County Jail. Qui aveva già una Lucille più simile a quella che tutti ricordiamo, una Gibson ES-335. 

 

Heartbreaker (1968) 

Ci concediamo questa piccola licenza per non parlare solo delle canzoni più conosciute dell'artista. Heartbreaker è stata la canzone d'apertura di Blues on Top of Blues, uno dei suoi migliori album, uscito nel 1968, che conteneva anche uno dei suoi più grandi successi, Paying the Cost to Be the Boss. È una delle canzoni più soul dell'artista, grazie a una tempesta di fiati e a una grande linea di basso, e poi, naturalmente, ai suoi due elementi più distintivi, la sua voce e Lucille.  

 

Why I Sing The Blues (1969) 

Assolutamente essenziale, una canzone irresistibile con un grande basso funk del bassista abituale di Aretha Franklin, Gerald 'Jerry' Jemmott, in Why I Sing The Blues B.B. King dà diverse risposte chiare sul perché canta il blues. Stiamo parlando di un uomo nero cresciuto nel Sud nella prima metà del XX secolo, uno che ha visto linciaggi ogni settimana e che nessun uomo bianco ha chiamato per nome, ma "ragazzo" ("vieni qui, ragazzo"), non importa quanti anni avesse. Forse la prima parte di questa canzone lo spiega molto più chiaramente: "Quando ho imparato il blues per la prima volta mi hanno portato su una nave, gli uomini mi calpestavano ed altri con la frusta, e tutti vogliono sapere perché canto il blues" (When I first got the blues They brought me over on a ship, Men were standing over me And a lot more with a whip, And everybody wanna know, Why I sing the blues). Tutto chiaro, Riley. 

 

The Thrill Is Gone (1969) 

La canzone più famosa della sua carriera, e anche la migliore, oltre che il suo più grande successo. L'inserimento della sezione degli archi gli diede un nuovo pubblico. Molti puristi si lamentavano, ma gli archi si adattavano perfettamente allo stile di King di suonare la chitarra, rafforzando la sua enorme classe. Qui c'era già la Lucille che tutti conoscono, infatti la sua nuovissima Gibson ES-355 fece una delle sue prime apparizioni nell'iconica canzone d'apertura, un grande riff di basso e Lucille dimostrando di essere la chitarra che riesce ad emozionare con il minor numero di note della storia. King dimostra ancora una volta di essere il chitarrista più espressivo della storia, capace di comunicare con pochissime note ciò di cui gli altri chitarristi sono incapaci in un'intera carriera. Ma The Thrill Is Gone va ben oltre il suo assolo, essendo la canzone più rotonda della carriera di King. A proposito, se volete sentire come suona senza gli archi, potete optare per la potente versione live dell'eccezionale Live in Cook County Jail. 

 

Chains and Things (1970) 

Dopo il successo di The Thrill Is Gone King, entrò in studio con il produttore Bill Szymczyk per registrare l'album di cui si dichiarò più soddisfatto nella sua carriera. Si tratta di Indianola Mississippi Seeds, un album di cui King ha detto quanto segue: "So che i critici nominano sempre Live & Well o Live at the Regal come i miei migliori album, ma credo che Indianola Mississippi Seeds sia stato il miglior album che abbia mai realizzato artisticamente". C'erano canzoni come Ask Me No Questions o Hummingbird, anche se la nostra preferita è la meravigliosa Chains and Things in cui Carole King lo accompagna al Fender Rhodes, dandogli quel suono caratteristico. Il produttore cercava un nuovo The Thrill Is Gone, da cui ancora una volta il magnifico arrangiamento per archi, e lo ottenne con una delle canzoni più emozionanti della carriera di King. A proposito, il meraviglioso assolo inizia con un errore: "Ho suonato la nota sbagliata e l'ho seguita al meglio... poi abbiamo fatto in modo che l'arrangiatore facesse seguire gli archi".